Ter seu retrato pintado é uma raridade nesta era de câmeras de smartphone e Instagram, mas talvez seja exatamente isso que o torna tão especial. É algo grandioso, algo pessoal, algo que leva tempo real de um artista de verdade.
Mas antes de começar a procurar um retratista para contratar, existem algumas decisões que você precisa tomar. Quando você fala com o artista, ele ou ela fará perguntas e você terá suas respostas preparadas. Pode parecer óbvio, mas você começa com o assunto. Se é você, então é fácil responder a todas as outras perguntas, mas se for seu cônjuge, filho, pai, animal de estimação ou amigo, talvez seja necessário fazer alguma pesquisa. A roupa que você veste no seu retrato vai dizer muito aos espectadores quem você é. Você será pintado em um vestido de noiva ou em um maiô? Se a escalada de montanha é a sua paixão, você pode escolher equipamento de montanha, ou se a jardinagem é o seu principal interesse, você pode escolher um vestido floral. O assunto do retrato precisa refletir sobre isso e tomar uma decisão. Junto com a roupa, o fundo também pode dar dicas sobre a personalidade do sujeito. Você pode querer um horizonte distante atrás de você, o oceano ou sua árvore favorita. Você pode querer sua estante favorita. É recomendável que você escolha antecipadamente onde pretende pendurar a pintura quando terminar. Isso ajudará o artista a selecionar cores, por isso vai melhorar a decoração ou ser uma peça de vitrine. Quando você fala com artistas de retratos para contratar, você pode discutir o estilo. Você pode preferir uma versão muito realista, ou você pode querer algo com mais talento. Dê um bom pensamento. Um retrato no estilo do expressionismo abstrato pode não se adequar à sua biblioteca eduardiana. O artista que você selecionou para criar essa maravilha pode ser capaz de trabalhar em muitos meios diferentes. Óleo, acrílico, colagem, caneta e tinta, aquarela ou uma combinação de qualquer são algumas possibilidades. Certifique-se de se comunicar bem com o seu pintor e entender antes que o trabalho comece com a aparência da criação. Se você tem uma opinião sobre o tipo de pintura que você quer, você pode dizer ao artista, mas você também pode pedir ao artista a opinião dele ou dela. Dependendo da sua personalidade, assim como outros aspectos da pintura, o artista deve ser capaz de lhe dizer qual meio será o mais eficaz. Finalmente, depois de ter decidido todos os aspectos do retrato ideal para o seu assunto, você precisa ser muito claro sobre o orçamento. Isso afetará o tamanho da pintura e o meio usado.
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Os retratistas contemporâneos criam suas pinturas à sua maneira. O produto acabado será bonito, não importa quem contratar, mas você deve saber que o artista está usando os procedimentos básicos adequados. Essas etapas são descritas neste artigo e fornecem uma base que você pode usar para pintar retratos por conta própria. # 1: Coloque a cabeça na tela Um retrato pode ser uma cena de headshot ou de corpo inteiro. Um retrato de headshot encontra a cabeça no centro da tela. Você pode encontrar facilmente o centro da tela usando uma régua ou fita métrica. Um retrato de corpo inteiro requer um posicionamento mais delicado da cabeça antes de continuar. # 2: crie sombras ao redor do cabelo Criar sombras ao redor do cabelo solidifica a colocação da cabeça. Um retratista pode completar mais detalhes depois de criar limites claros em torno da cabeça do assunto. As sombras também podem ser versões mais borradas de cabelos, com cores mais suaves e marcas de pincel menos definidas; sombras dentro do cabelo do sujeito ou em outro objeto atrás deles irão variar dependendo do foco da luz. # 3: crie sombras na parte inferior do rosto Sombras na parte inferior do rosto ajudam a criar a linha da mandíbula que o artista precisa. Essas sombras também criam a base para o decote do seu assunto. Essas sombras podem obscurecer o decote, ou elas podem criar os limites do pescoço e da clavícula. # 4: Adicionando tons de carne ao rosto Tons de carne são adicionados ao rosto até que o artista encontre a aparência correta. Sombras no rosto não podem ser adicionadas até que o tom de pele adequado seja criado, mas o artista pode começar a criar sombras ao pintar. Os tons de pele levam mais tempo porque devem combinar perfeitamente com o assunto. Tons de pele incorretos podem criar a impressão errada do assunto e tons escuros demais obscurecem as características do rosto. # 5: Refinando o fundo O fundo do retrato acentua os detalhes no rosto do sujeito. O artista deve sombrear o fundo para uma cor apropriada, e o fundo completa o retrato para o assunto. Esses cinco passos simples podem levar uma vida inteira para serem dominados, mas são os princípios básicos usados por qualquer artista que pinta retratos. Peça ao seu artista para orientá-lo pelas etapas e peça para ver as etapas do processo à medida que seu retrato é pintado.
Já se foram os dias em que o objetivo de uma figura pintada era conseguir uma vida o mais realista possível. Temos fotografia para recriar a vida cotidiana e figura perfeita.
O hiper-realismo é uma arte hábil, mas às vezes pode não ter a alma, a paixão e o bom senso que tornam a pintura contemporânea de retratos incrível. Artistas realistas podem ficar tão envolvidos na difícil tarefa de criar uma imagem realista que a inspiração seca e tudo o que resta é atividade mundana. Arte é sobre o envio de uma essência emocional profunda através do espaço e da cor. Uma semelhança superficial é removida de tudo isso e carece do interesse e apelo do que chamamos de arte. Mas, como todos sabemos, a arte é terrivelmente difícil de definir. Todo mundo tenta, e ninguém entendeu direito ainda. A única coisa que podemos fazer é procurar artistas para continuar fazendo isso. O truque é caminhar uma linha entre desenhar as características da humanidade e criar um reino onde as cores e formas se juntam em uma mistura interessante de existência contínua. A realidade é uma coisa engraçada, porque depende da percepção do espectador. Como diz o ditado, "a beleza está nos olhos de quem vê". Eu sei o que você está pensando - todas essas generalizações vagas podem parecer uma desculpa para descrever o que torna as pinturas de retratos contemporâneos visualmente atraentes. No entanto, a questão do que é "atraente" pode ser impossível. Há um debate em curso sobre o surrealismo de Salvador Dali, o impressionismo de Van Gogh e o realismo de Jean Baptiste Camille Corot. A razão pela qual esse debate persiste séculos depois é porque "atraente" é puramente subjetivo. A única verdade real sobre o estilo é que ele é impulsionado pela emoção e uma necessidade irresistível de o espírito humano se representar. Há um forte desejo de ver o que realmente está dentro de nós. Retratos são uma maneira de representar os aspectos metafísicos da humanidade. Desta forma, retratos e realismo são uma maneira de representar o que realmente vemos. Há coisas que simplesmente não podem ser sentidas a partir de uma fotografia. Artistas especializados em apresentar a realidade que não podemos ver. É mais uma realidade que podemos sentir e experimentar sem necessariamente ver. Em seguida, eles recriam isso com cores, formas e traços em um pequeno espaço bidimensional. Se você pudesse engarrafar um pedaço da alma humana e jogá-lo em uma tela, seria assim que nossa arte contemporânea seria. Não há nenhum requisito real para o assunto quando se trata de pintura de vida ainda. As únicas duas coisas que você realmente precisa são quietude e vida ... e realmente, você (o artista) é quem cria a vida dentro da pintura. O verdadeiro desafio surge na criação de algo bonito e interessante de se observar a partir de objetos comuns. Os pintores holandeses e flamengos realmente decolaram com o gênero durante o século XVII, criando um significado a partir de objetos cotidianos aparentemente simples. Com a disseminação de novas religiões, o simbolismo e a natureza-morta adquiriram mais significado. O gênero não recebeu tanto respeito quanto outras paixões criativas, mas através da história cresceu na comunidade artística. As naturezas-mortas nunca exigiram algum significado simbólico maior. A forma é respeitada como um esforço difícil assumido pelos artistas contemporâneos de natureza morta. Criar belas composições a partir de um item comum requer alto nível de paixão e habilidade artísticas. O gênero evoluiu com o tempo, mas várias partes da natureza morta permanecem as mesmas. A maior semelhança de século para século - e a maior diferença - está sujeita. O assunto é a vida. Durante centenas de anos, flores, frutas, arquitetura e elementos mais comuns apareceram repetidas vezes. Os tempos mudam e os objetos mudam, mas a quietude e a beleza não mudam. Frutas e flores são sempre um bom lugar para começar, e uma boa maneira de aprender a criar ou observar uma grande natureza morta. Algo sobre a vivacidade e frescura de frutas e flores continua trazendo artistas de volta. Como o assunto é a parte mais importante de uma natureza morta, escolher o assunto certo para você é a melhor maneira de colocar a vida em uma natureza morta. Não existe um assunto chato - há sempre algumas maneiras de adicionar algum interesse às imagens. Como acontece com qualquer outra pintura, cores temáticas bonitas, iluminação dramática e um olho para a composição tornarão qualquer objeto cotidiano fascinante. Outro truque artístico é criar uma borda em torno da natureza morta. Foque os olhos no objeto e permita que o espectador passe mais tempo olhando mais de perto. A magia de uma natureza morta é que eles dão às pessoas a chance de olhar para objetos que normalmente alguém passaria. Um artista tem a oportunidade de transformar qualquer objeto regular em um belo ponto de interesse. Há algo de poderoso nisso e algo que exige respeito. Se você acha que certas pinturas estão faltando vida, talvez olhe para adicionar alguma natureza morta!
Retratos e pinturas de naturezas-mortas definiram períodos de arte anteriores e nos forneceram um vislumbre inestimável da vida histórica, bem como a psicologia de seu povo na época. No entanto, o avanço da tecnologia levou à ampla adaptação das câmeras e, à medida que a fotografia cresceu, as pessoas começaram a abandonar a tela na preferência do filme. Isso levou a uma percepção de falta de inspiração moderna para os pintores de hoje, que se esforçam para capturar seu mundo através de pinceladas em vez de uma lente. No entanto, o meio não é a fonte de inspiração da vida em si, e há muito disso em todas as pinturas. Cada imagem capturada conta uma história, seja uma fotografia ou uma pintura. E para contar a história, os pintores têm a vantagem da criação e interpretação. Quando se trata de pinturas modernas de naturezas-mortas, você deve se perguntar que mensagem está tentando transmitir. O segredo de uma peça de sucesso não está no que você está pintando, mas no subtexto subjacente que os espectadores tiram dela. Técnica e assunto caminham lado a lado Embora seja importante selecionar a abordagem correta para sua natureza-morta moderna, o assunto real do seu projeto é igualmente o mesmo. Sem uma ideia clara em mente, mesmo a melhor pintura não conseguirá suscitar o tipo de emoção que um artista se esforça. A melhor prática é selecionar seu assunto primeiro, depois decidir sobre a técnica que você acha que melhor captará sua essência. O objetivo final é encontrar um equilíbrio entre estilo, técnica e assunto que permita transmitir uma mensagem através de pinceladas e paleta de cores que atinjam seu público imediatamente e deixe uma impressão persistente. Considere a história Pergunte a si mesmo porque escolheu o seu assunto. Após a primeira consideração, você pode simplesmente tê-lo escolhido por causa de sua beleza natural. A chave, no entanto, é mergulhar além de sua impressão inicial e desenterrar o segredo do apelo do seu assunto. Se você achar bonito, procure identificar os motivos. Depois de entender por que você é atraído por um assunto, você estará em uma posição muito melhor para saber como capturá-lo completamente.
Luz e Humor Todos os artistas sabem que a luz tem um dos maiores (se não o maior) impacto na impressão final de uma pintura. Quando você escolhe uma iluminação, está decidindo o tipo de mensagem que deseja apresentar ao seu público. Não se sinta restrito a simplesmente brilhante e escuro; a luz é versátil e pode ser usada em uma infinidade de modas. Uma pintura escura com um foco ousado e brilhante em um único ponto pode transmitir esperança, enquanto sombras pesadas e destaques em uma cena de outra forma luminosa podem sugerir sombras escuras e significados ocultos. Em última análise, sua vida ainda não é apenas um momento congelado no tempo, mas uma história capturada através da cor. Você deve procurar criar uma peça que seja tão atraente quanto provocadora, e tudo isso começa desdobrando a mensagem que o sujeito está lhe enviando. O desenho figurativo é talvez a mais graciosa de todas as formas de arte. Envolve o desenho da forma humana, usando diferentes formas e posturas para capturar melhor sua beleza. É uma das formas mais antigas de capturar as pessoas como elas são e persistiu através dos tempos. Figura desenho pode ser expresso na forma de desenhos altamente detalhados, aqueles que são anatomicamente corretos, ou aqueles que são mais expressivos na natureza. A inspiração para o desenho de figuras também pode vir de várias formas, com fotografias e modelos ao vivo como um excelente exemplo. O desenho figurativo é, naturalmente, uma das formas de arte mais difíceis de dominar, e é por isso que temos aulas projetadas especificamente para ensinar as pessoas a fazê-lo. Se você planeja fazer uma aula de desenhos figurativos, precisará de alguns suprimentos. Assim como qualquer aula em qualquer escola, você precisará das ferramentas certas para concluir seus projetos. Embora as aulas de arte variem, algumas dessas ferramentas são bastante comuns entre professores e alunos e talvez sejam necessárias ... Ferramentas para desenhar com Em primeiro lugar, você provavelmente precisará de algumas ferramentas para desenhar. Estes podem assumir a forma de diferentes materiais, como os carvões vegetais (videira, vontade e carvão comprimido são exemplos primos) e são frequentemente encontrados em forma de lápis. Varetas de grafite, que são feitas dos mesmos materiais que os lápis, também podem ser usadas. Se você está procurando algo com um pouco de cor, pastéis secos (também conhecidos como giz de desenho) podem ser o que você está procurando. Pincéis e tintas Você também pode precisar de um pincel de aquarela e algumas tintas aquarela, que são ótimas para preencher seus desenhos. Pincéis de aquarela são normalmente com um bom ponto, mas eles também podem se espalhar, o que ajuda a adicionar largura. Tintas aquarela podem vir em diferentes formas, como em um bolo sólido em uma paleta que você pode molhar e mergulhar seu pincel, ou através de um tubo. Papel Embora pareça ser óbvio que o artigo deva estar disponível em qualquer sala de aula normal, na verdade, existem muitos tipos diferentes de papel que você precisa pensar antes de ir para sua primeira aula de desenhos figurativos. O papel varia de acordo com o tamanho necessário, mas normalmente você encontrará o papel nos cadernos de desenho ou esboço vinculados. O papel de desenho geralmente é mais fino que o papel de desenho, e você descobrirá que em alguns casos também é menos caro. Mais importante... Lembre-se, é uma aula de arte, então esteja preparado e leve a sério, mas o mais importante, divirta-se! Aproveite. O desenho figurativo pode ser difícil de dominar, mas a maioria das pessoas acha isso altamente recompensador.
Arte não é arte sem emoção. Simplesmente não pode existir sem emoção. Se uma escultura ou pintura não provocar uma emoção dentro do espectador, será apenas uma decoração de parede. É apenas algo bonito na parede. A arte deve nos agarrar e nos fazer sentir algo.
Essa emoção pode ser felicidade, tristeza, animosidade ou talvez uma mistura de vários. A emoção que a boa arte desperta é exigente e urgente. É um grito urgente que nos força a prestar atenção e contemplar o trabalho. Emoções não são experiências estáticas e fugazes. Eles evoluem e mudam. Eles viajam conosco à medida que atravessamos nossas vidas e as pinturas modernas de naturezas-mortas precisam capturar o movimento do sujeito e o movimento das emoções. Quando refletimos sobre nossas vidas, não nos lembramos de nossas emoções a cada minuto. Nós nos lembramos das nossas emoções enquanto elas viajam conosco durante um período em nossas vidas. Lembramo-nos da dor da perda de um ente querido e lembramos como ele chegou ao ponto de ter uma dor aguda e cortante no começo e se transformou em uma lembrança sombria da ausência com o passar do tempo. Momentos felizes em nossas vidas vêm como alegria renovada e se transformam em ampla nostalgia depois. As emoções se movem no tempo. Quando um artista captura emoção, eles capturam o tempo. Os artistas são encarregados de fornecer um instantâneo do momento visual, bem como o subtexto emocional em torno do assunto. Como um exemplo rudimentar, uma pintura moderna de natureza morta pode representar uma mesa com uma tigela de frutas. A emoção derramada na pintura pelo artista pode transmitir uma mensagem sobre fome ou glutonaria. Uma tabela que parece grande demais para a quantidade de frutas pode indicar uma família que recentemente e infelizmente foi reduzida. A arte fala sobre o que está presente e o que está faltando. Em outro exemplo, um retrato não mostra apenas ao espectador como era a pessoa, mas onde ela está em sua vida e como ela se sente em relação a ela. O assunto é feliz ou triste? Eles estão ansiando por algo ou alguém? Eles se resignaram a suas vidas ou estão esperançosos pelo que pode acontecer? As respostas a essas perguntas são reveladas apenas no diálogo silencioso entre o artista e o espectador. Um artista retrata mais do que é visto. Arte encapsula a instância visual e o peso emocional do momento. Capturar as emoções é o mesmo que capturar o tempo. A inspiração está em todo lugar. Não importa que tipo de artista você é, de pintor a escritor, a inspiração pode ser encontrada em qualquer lugar. Alguns acham isso na natureza; alguns o encontram nas cidades; alguns têm o propósito de criar desenhos figurativos detalhados; enquanto alguns tendem a se importar mais com o processo de ser criativo. A única coisa que permanece a mesma coisa é que os artistas são mais produtivos quando sabem encontrar e usar inspiração em torno deles. Se você está pronto para alguns desafios criativos, aqui estão alguns favoritos clássicos: 1. Olhe para as pessoas Há muitas maneiras de usar o ambiente para encontrar inspiração. Se você é o tipo de artista que gosta de buscar inspiração ao ar livre, pode ir a um parque e observar as pessoas. Você pode observar suas interações uns com os outros, ou com seus filhos, ou até mesmo com seus animais de estimação; você pode observá-los em contraste com o ambiente ao seu redor. Então, você pode usar as experiências dessas pessoas como inspiração para sua arte. Você pode pintá-los exatamente como você os vê, ou pode usar o que eles representam e inspirar-se na fusão da natureza com as pessoas.
2. Olhe para o horizonte Se você preferir observar um ambiente livre de coisas vivas, e apenas se concentrar em paisagens, você pode olhar para o horizonte. Não faz diferença se é o que você vê quando está olhando para o oceano ou o que você vê escondido atrás de arranha-céus em uma cidade grande, você pode usá-lo como inspiração e você pode chegar a algumas palavras para descrevê-lo. Depois de ter essas palavras, você pode pintar o que elas representam para você, em vez do horizonte de onde você as derivou. 3. Olhe para os seus pés Se preferir ficar no conforto da sua casa, pode inspirar-se em coisas aleatórias da casa. Uma ideia é olhar para os próprios pés e os espaços entre eles. Você pode usar esses realces como pontos e pode desenhar uma imagem conectando esses pontos. Você também pode tentar conectar os pontos em qualquer outra coisa ao redor da casa e tirar uma foto deles, das sombras que os móveis projetam no chão até os diferentes níveis das pinturas penduradas nas paredes. Existem várias outras ideias que podem ajudá-lo a encontrar inspiração. Tente esse: Pintar imagens encontradas nos espaços negativos entre edifícios Desenhe as coisas que você pensa quando assiste ao seu programa de TV favorito Crie uma cena de como você gostaria que um determinado livro tivesse terminado Analise o que foi feito no passado e crie sua própria opinião Ou você pode usar uma combinação de qualquer uma das coisas mencionadas acima e qualquer outra coisa que já tenha inspirado você. Não há ciência exata para encontrar inspiração; a única coisa que é necessária é que você nunca pare de procurar por ela. Enquanto você continuar procurando, você certamente encontrará inspiração em todos os lugares. Natureza morta é um gênero de arte que tem prevalecido no mundo da arte desde a Idade Média e a antiga era greco-romana. Enquanto os estilos podem mudar a cada época, a simplicidade da natureza morta o trouxe através dos séculos.
Mas com um gênero que sobreviveu por tanto tempo, os artistas da vida ainda devem ser capazes de trazer algo novo para cada um de seus trabalhos. Dentro da simplicidade do gênero está a oportunidade de criar uma arte nova e revigorante. Aqui estão algumas maneiras para os artistas contemporâneos ainda poderem respirar o máximo de suas vidas em sua natureza morta ... Abrace sua própria perspectiva Still life é a preservação de um objeto ou imagem, capturando-o e tornando-o seu. Duas pessoas não terão a mesma experiência ao olhar para um objeto. O espectador traz suas próprias emoções e história únicas para a experiência. Ao pintar ou desenhar uma natureza morta, é importante que você não perca o que torna sua experiência única ao visualizar o objeto. Se você está pintando girassóis, por exemplo, não basta pintar o girassol, mas a maneira como você se sente quando vê o girassol. Você pode fazer isso de maneiras diferentes, por meio de cor, pincelada, intensidade, qualquer método que lhe parecer mais adequado. Em outras palavras: confie em seus instintos. (Isso pode parecer óbvio, mas muitos artistas podem se envolver em técnicas excessivas. Descobrir o significado mais profundo Ao criar um novo trabalho, escolha um assunto que tenha significado para você - ou, salvo isso, imprima seu assunto com o significado de seu próprio design. Você deve procurar levar seu espectador aonde você for quando criou sua arte. Você quer que eles sintam os sentimentos que você estava sentindo: tristeza, esperança, desespero, o que quer que eles sejam. Você poderia estar pintando uma natureza morta da garrafa de vinho que acabou de terminar, depois de economizar por anos desde o dia do seu casamento. Você deve transmitir ao seu espectador o sabor do vinho em seus lábios, a sensação da garrafa quando estava em sua mão e a lembrança da noite de núpcias, seja alegria ou tristeza. Seja o que for que o assunto lhe traga à mente, deixe que isso leve o esforço de comunicar seu significado para seus espectadores. Sempre seja você Se você tirar sua vida e sua história e colocá-la em seu trabalho, sua arte sempre será única. Duas maçãs diferentes, tiradas de duas pessoas diferentes, terão a mesma aparência, se todo o desenho do artista for a maçã, a pele e o caule. No entanto, se os artistas colocarem suas memórias nas maçãs, através do tom, das camadas, das cores usadas e das sombras, as maçãs parecerão diferentes. A fruta acabada transmitirá a experiência do artista à maçã, se for sua fruta favorita ou se pensarem na maçã apenas como algo destinado a apodrecer. Há algo a ser dito sobre uma parede grande e vazia. Pode não parecer muito, mas pode ser o que você quiser. As possibilidades são infinitas. O potencial é a parte atraente de uma parede em branco. Mas enquanto o potencial é ótimo, não vale nada até que isso seja algo. E se você está esperando para encontrar aquela peça especial de arte para pendurar, pergunte a si mesmo: como isso está acontecendo? Como está toda essa espera saindo? Pare de esperar. Tenha um pedaço criado para você e sua parede em branco. Pode ser um mural ou uma série de fotografias ou uma pintura a óleo - mais uma vez, as possibilidades são infinitas. Comissão uma pintura. Peça a um artista profissional para fazer isso por você. Será de um tipo, ele irá apreciar em valor ao longo do tempo, e sua parede em branco, por fim, será algo. Encontre o artista certo na Internet Artistas não são difíceis de encontrar mais. A maioria tem sites que mostram seu trabalho, para que você possa determinar se esse é o estilo para você. Seus sites também permitem que você saiba se eles estão abertos a comissões individuais. (Mesmo se o site não disser que são, nunca é demais entrar em contato por telefone ou e-mail e perguntar ao artista!) Você também pode pesquisar plataformas de mídia social focadas visualmente, como o Pinterest, para novos trabalhos de artistas que trabalham.
Comunicação Depois de encontrar seu artista e abrir alguma comunicação, é extremamente importante manter a comunicação aberta e fluente. Converse com o artista sobre suas ideias - faça um brainstorming com elas, se quiser, e se elas quiserem - e seja o mais claro possível sobre o que você realmente quer. É útil ter exemplos para dar ao artista, então colete algumas fotos de trabalhos que você gosta e organize-os com antecedência. Não se sinta mal - isso realmente ajuda o processo criativo. Você não está sendo sem originalidade e ninguém está sendo roubado. Sua pintura ainda será sua peça exclusiva e comissionada. Pagamentos e Contratos Os artistas muitas vezes têm medo de falar sobre dinheiro, por isso, seja honesto com o que você está disposto a gastar e certifique-se de que tudo está resolvido antes do início da pintura. Contratos ajudam a manter as coisas limpas e amigáveis. Você precisará entender os termos e condições antes de escrever seu primeiro cheque, porque não há um botão "desfazer" para a pintura real. É por isso que muitas pessoas hesitam em encomendar uma pintura - o medo de que possam pagar por algo que não pode ser desfeito. Mas lembre-se: número um, esse artista trabalha em um mercado livre e você está pagando valor de mercado; e o número dois, seja o que for que o artista crie hoje, será mais valioso amanhã, porque a arte encomendada aprecia ao longo do tempo (como uma casa). Assim, como qualquer upgrade para casa, você precisará assinar contratos e seu investimento será recompensado. É justo pagar uma parte na frente e uma parte no backend; isso ajuda o artista a compartilhar essa responsabilidade e mantém todos honestos. A maioria dos artistas profissionais terá suas próprias preferências, e isso economizará todo o seu tempo se você respeitar suas preferências desde o início, mas certifique-se de que cada um tenha uma razão para manter contato enquanto está sendo trabalhado. Envio e manuseio Transporte e manuseio também devem ser discutidos de antemão. O envio de uma obra de arte frágil, mesmo através de apenas uma cidade, pode tornar-se muito caro (NUNCA pode ser enviado sem seguro de algum tipo). Não se deixe surpreender com o custo do frete. Não há nada pior do que um choque desagradável para tirar a alegria de algo bonito que você acabou de adquirir. Depois de obter esses detalhes compilados e endireitados entre as duas partes, deixe que o artista comece a trabalhar! Sua nova pintura se tornará o foco artístico de sua casa, e seus convidados vão se maravilhar. |
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